攝影技術的出現消解了寫實繪畫的紀實功能
光學研究的新成果促使藝術家們重新審視光和顏色對物體的影響。
第二，20世紀初的科學成就激發藝術家探索新的時空概念。
第三，二十世紀下半葉高度工業化對後現代繪畫的影響
第四，計算機技術的發展促進了數字媒體繪畫的出現。
以下是網上文章的復印件，供大家參考(字數有點多)
自文藝復興以來，西方現實主義藝術家將藝術與科學緊密聯系在壹起，在深入研究透視、解剖、比例的基礎上，奠定了古典藝術和諧、對稱、優雅的審美標準，統治了歐洲造型藝術500多年。到了19世紀中期，法國新古典主義的代表人物安赫爾(1780-1867)和法國寫實畫派的代表人物庫爾貝(1819-1877)，他們高超的寫實技巧和精準的造型能力將歐洲寫實繪畫推向了極致。再加上當時西方資本主義國家的擴張，東方藝術，特別是日本浮士德畫風的裝飾性、平面性和色彩豐富的視覺效果，以及非洲原始藝術的神秘古樸的地域風格，讓當時的歐洲現實主義藝術家感受到了外來文明的獨特審美價值，以及在傳統繪畫中苦心塑造物體的空間和體積，以及外在形象的虛擬現實的不科學、不可復制的藝術魅力。此時，西方現實主義藝術家開始反思自己的藝術成就和傳統審美價值觀，開始回避西方傳統現實主義藝術的表現方法，尋求藝術表現的新突破。
1.自然科學的新成就促進了歐洲傳統繪畫向現代藝術的轉變。
1.攝影技術的出現消解了寫實繪畫的紀實功能。
傳統的西方現實主義藝術是建立在科學和理性的基礎上的。19世紀的最新科技成果，讓當時的很多藝術家意識到傳統寫實藝術家觀察方法和對物體理解的局限性，開始重新審視繪畫的意義。
1837年，法國舞臺藝術家達蓋爾受光照射時化學物質“銀鹽”的變化而受到啟發，發明了可以保存影像的攝影術，被稱為“銀版攝影術”。1839年8月9日，他宣布發明了銀版照相術，誕生了世界上第壹臺便攜式木箱照相機。到了60年代，攝影術有了很大的發展，世界上第壹張彩色照片出現在1861。在之前的歐洲寫實繪畫中，它承擔了為達官貴人記錄形象、宣揚宗教和社會事件的任務。高超的畫面技術與社會服務功能的對比，對壹部作品的質量起著決定性的作用。然而，隨著攝影技術的發展和普及，當時的藝術哀悼者發現，當他們用盡全力完成壹幅寫實繪畫時，相機可以在瞬間記錄或超越寫實繪畫的真實效果...傳統繪畫藝術失去了記錄功能的優勢，這種危機感促使藝術家放棄攝影古典繪畫方式，尋找新的繪畫藝術表達方式。
2.光學研究的新成果促使藝術家們重新審視光和顏色對物體的影響。
19世紀，西方在光學和色彩學的研究上取得了很大的進步，發表了壹些相關領域的科學著作，直接激發了印象派的技術革新思想。
20世紀60年代，牛頓(1642—1727)從棱鏡中發現無色透明的太陽光是由七種顏色的光束組成的，於是發明了七色圓盤。他的研究成果對17世紀荷蘭小畫派畫面中光線的巧妙運用影響很大。他們的作品用柔和而豐富的光線變化來表達畫面的詩意意境。1807世紀英國科學家托馬斯·楊(1773-1829)出版了《自然哲學與機械藝術講座教程》，全面整理了他在光學方面的理論和實驗研究。1801年，他進行了著名的楊氏雙孔幹涉實驗，證明了光是以波的形式存在的，而不是牛頓想象的光粒子。然後在他的論文中，基於幹涉原理建立了新的光波理論，成功地解釋了牛頓環，精確地確定了七種光的波長。首先建立了三原色原理:“指出從紅綠藍三原色可以得到所有的顏色，物體因為吸收和反射太陽光中不同波長的光波而呈現不同的顏色，不反射太陽光的都是黑色。不吸收所有反射的是白色，反射紅色光波吸收其他光波的是紅色……”根據他的理論，從準確的科學角度來說，任何吸收和反射都不是100%，所以我們的生活環境中不存在純黑、純白、純紅、純綠。托馬斯·楊還對生理光學進行了開創性的研究，被譽為生理光學的創始人。他提出了色覺取決於眼睛中三種不同的神經，它們分別感受紅色、綠色和紫色的理論，並在1959中被實驗證明是正確的。這些科研成果使當時的藝術家對物體的觀察方法有了新的認識。過去，古典寫實畫家缺乏光與色的科學理論基礎，缺乏用眼睛觀察物體顏色細微變化的習慣。他們認為任何物體的固有顏色都是不可改變的，藝術家完全根據物體的固有顏色和棕褐色來觀察和習慣性地表達物體。在新的光與色理論的基礎上，印象派畫家開始在畫面中大膽運用色彩。他們意識到物體的顏色受光源顏色和周圍環境顏色的影響，是物體吸收和反射光波後留給人眼睛的視覺效果。他們開始用眼睛敏銳地捕捉光線照射在物體上引起的微妙而豐富的顏色變化。他們的目的仍然是盡可能客觀真實地再現物體，但真正再現的不是物體的體積和固有的顏色，而是作用於物體的光線所呈現的豐富的色彩變化，是壹個動態變化的客觀物體。自然科學的成就加速了傳統繪畫藝術“轉型”的步伐，印象主義這壹在表現手法和審美觀念上與古典藝術完全不同的繪畫流派，開啟了其藝術史上最驚心動魄的篇章，之所以驚心動魄，是因為它的誕生就像壹個新生命，壹個在母體產前陣痛後誕生的新生命，壹個在與傳統審美觀念和當時大眾習慣性審美標準的強烈沖突後，以頑強的生命力存活下來的新事物。捕捉光線和色彩瞬間感受的大師莫奈，代表畫家。印象主義的名字來源於他的作品《日出印象》。有畫室內光線的大師德加；雷諾阿，他展現了女性人體與兒童在外界光線下豐富柔和的色彩關系；畢沙羅以簡單、沈重和豐富多彩的畫面等。他們通過自己的作品，完美地詮釋了自然光線下物體神奇而絢麗的色彩效果。
這時，對顏色的研究有了壹些新的突破。法國化學家謝爾·切弗勒(1786-1889)在擔任法國格貝林掛毯廠染色部主任期間，對顏色進行了系統的研究。他通過實驗發現，當不同顏色的羊毛混合在壹起時，從壹定的距離看，在人類的視覺中會形成這兩種顏色的混合色。他根據對色彩的研究，在1839出版了《色彩和諧與對比原理》壹書，提出了科學知識與藝術實際應用相結合的原則，不同色彩在壹定距離上的並置會產生新的色彩理論，為印象派畫家通過不同並置色點、色線、色塊的視覺合成呈現新的色彩表現手法提供了理論依據。這種表現手法不僅使畫面色彩豐富、生動活潑，而且使色彩跳躍、閃爍。這個色彩理論在19的80年代誕生了新印象主義(點彩派)。代表藝術家是修拉和西內克，他們使用“加色混合”來調整顏色。他們完全按照科學原理和光譜色彩在屏幕上排列色點，通過壹定距離的視覺混合，使屏幕體現出生動、豐富、逼真的色彩效果。後印象派畫家梵高通過不同色彩線條的重復與並置，表現出強烈而激情的視覺震撼。而塞尚則用不同小色塊的組合來表達他對色彩的主觀感受。他對畫面結構和色彩的主觀表現，導致了西方藝術思想的徹底解放，被譽為“現代繪畫之父”。
第二，20世紀初的科學成就激發藝術家探索新的時空概念。
20世紀初，當西方藝術家強調繪畫表達藝術家的主觀感受和個性化體驗時，西方在科學技術方面也取得了巨大成就。玻爾的量子力學揭示了微觀世界的奧秘；達爾文的生物進化論闡述了生物進化的規律和物種的起源，動搖了上帝創造人類的權威和人類獨有的尊嚴。科學家分裂原子，發明了X射線透視法。愛因斯坦的“廣義相對論”和“狹義相對論”的“四維時空”概念以及對光速時空概念的闡述，為許多藝術家的藝術創作註入了新的時空觀念，這些科學成果顛覆了人們心目中對客觀世界的傳統認識。
受最新科學研究成果的影響，此時的許多藝術家對物體的空間結構和存在形式有了新的認識和思考，他們開始從多個觀點和角度觀察和表達物體。立體主義藝術家畢加索和布拉克受X射線透視可以觀察到我們肉眼看不到的物體內部結構的啟發，開始探索從不同角度觀察到的物體結構的分解和重組，以展現物體的多層空間和幾何形狀之美；萊格把壹切物體理解為桶或管的組合，使之看起來像組裝的機械，用機械產品的幾何形狀體現大機器生產生活中的工業文明美感。萊格被稱為立體派機械派。未來主義藝術家甚至贊美機械文明，他們試圖在靜態和平面繪畫中體現物體的運動和速度的關系。受愛因斯坦“四維時空”概念的影響，他們也積極探索如何在作品中表現長、寬、深、時間四維空間。代表人物博楚尼試圖在作品中表現現代科技文明的成就和四維空間。他的作品充滿了運動、生命和速度的元素。《下樓梯的裸女》是具有未來主義傾向的藝術家杜尚的代表作。畫面分解重組後的人物充滿了動感和延時感。荷蘭畫家埃舍爾(1989—1972)開創了拓撲學的藝術。借助幾何方法，他用圖畫表達了循環、無限和秩序、矛盾空間的思想。他作品的魅力不僅來自於他精湛的寫實技巧，豐富的想象力和創造力，他對空間和物體運動關系的表達也讓許多數學家感到驚訝。他的圖片的圖形體現了現代分形幾何的分形圖案，分析問題的方式和作品的表現形式更接近科學家而不是藝術家。所以，是壹些科學家首先發現了他的作品的價值和意義。他的代表作《瀑布》基於彭羅斯的三角形原理，將整齊的立方體物體堆砌成奇特的建築結構。此時，藝術家仍然通過作品本身的藝術效果來強調自己獨特的藝術理念和視覺感染力。
第三，二十世紀下半葉高度工業化對後現代繪畫的影響
自20世紀50年代以來，西方社會進入了壹個高度工業化和商業化的時代。此時社會生產力發展迅速，機械化程度大大提高。飛機、高速公路、高鐵等現代交通工具大大縮短了人與人之間的距離。電視和電話的普及使人們能夠在最快的時間內知道世界上正在發生的事情。此時的西方藝術，各種新思想、新流派在生活中不斷湧現又迅速消失，快餐文化成為當代西方藝術的主流，此時的藝術家在藝術創作過程中往往註重壹種藝術過程的感受和體驗，而不在乎藝術的結果；他們還強調藝術就是生活本身，藝術是走向生活的，藝術是與社會相結合的。此時大眾傳媒非常發達，各種影視媒體、平面媒體、影視明星、公眾人物等形象符號已經成為當時人們生活中不可或缺的壹部分。直接借用商業社會的文化符號，然後升華藝術主題的繪畫流派“波普藝術”於20世紀60年代在美國廣泛流行，並形成了國際文化潮流。它的出現不僅破壞了藝術壹直遵循的雅俗之分，也體現了藝術與生活對等的原則。美國波普藝術代表藝術家安迪·沃霍爾印制瑪麗蓮·夢露，就是用當時先進的絲網印刷技術大量復制同壹形象，使作品體現了流行符號和商業化的特點，也反映了現代科技文明和高度發達的商業文明對人們內心情感的迷失和困惑。
20世紀50年代，維克多·瓦薩裏(1908—1997)寫了壹系列關於如何利用光學現象為藝術服務的宣言。這些宣言和他的作品對年輕藝術家有著非常重要的影響。他鼓勵青年藝術家運用嚴謹的科學設計，按照壹定的規則排列成復雜的波紋狀或幾何圖形，產生視覺感知上的運動感和閃爍感，使視神經在與畫面接觸時產生暈光效應或使觀察者產生錯覺和幻覺的視覺效果。壹個新的畫派“歐普藝術”開始形成。也叫“視覺效果藝術”或“光效藝術”。維克多·瓦薩裏的第壹幅作品《斑馬》創作於20世紀30年代，被認為是歐泊藝術學院的第壹幅傑作。他在後期的作品中也探索了四維效果和三維空間運動感的表達，作品Sorata-T是他追求新的視覺效果的嘗試。當這些藝術家在追求新的畫面表現手法和作品獨特的視覺效果時，數字媒體藝術的出現和發展對架上繪畫的手繪技法和畫面效果提出了新的挑戰。
第四，計算機技術的發展促進了數字媒體繪畫的出現。
計算機的誕生是人類智慧的結晶，是人類科技進步的產物。1941年，德國工程師儒勒制造了世界上最早的可編程計算機。1944—1945匈牙利裔美國科學家馮·諾依曼在計算機上采用“二進制”和“存儲程序”，建立了現代計算機操作系統，延續至今。90年代初，隨著計算機功能的完善和計算機圖形處理軟件的成熟，人機界面的人性化和工業大規模生產進入市場，使計算機進入普通家庭和數字媒體藝術、數字圖像創作藝術成為可能。
數字媒體繪畫和傳統繪畫在創作過程中依賴不同的材料。傳統繪畫材料主要是畫筆、畫布、顏料等物質材料，而電腦繪畫則是依靠電腦硬件設備和圖形處理軟件。如圖形平面處理軟件JavaScript、Skockware、Flash、photoshop、單幀3DMAX、Maya等，當它們以tiff、eps、ipeg等格式輸出為靜態圖片時，就構成了計算機圖片藝術..隨著圖形處理軟件功能的完善，如photoshop的濾鏡、蒙版、通道等功能的特效處理，3DMAX、Alias、Maya等軟件素材庫的使用，加上計算機圖像合成技術的優勢和圖像拼貼技術的普及，90年代中期出現了大量的計算機超現實主義繪畫、表現主義繪畫和抽象畫。計算機圖形處理技術還可以對傳統繪畫進行模擬和處理，如中國水墨畫和水彩畫、水粉畫、油畫、素描、版畫等，使傳統經典藝術作品以新的形式進入尋常百姓家。
傳統畫家在藝術創作過程中需要構思、創意和手繪技巧，而電腦藝術家在繪畫創作中必須掌握使用電腦的能力和熟練運用軟件的技巧，這就要求藝術思維和創新必須與技術有機結合。而計算機創作的藝術作品，無論其作品多麽完美，多麽有創意，本質上都是對0和1的數字信息的解讀和解釋。數字藝術的發展並不是在藝術史的真空中。與西方後現代藝術的諸多藝術流派有壹定的因果關系，如對未來派對時間的探索和對機械動力美學的迷戀，波普藝術對流行符號的運用和對同壹圖像的大量復制，歐泊藝術對光學效果的研究和表達， 這些都促使當時的藝術家對科學技術在藝術中的應用進行了有效的探索和嘗試，數字媒體作品的特點和美學思想也與西方後現代藝術所倡導的藝術大眾化和通俗化、藝術作品的再生產、藝術解構和非理性構圖等相似。
在20世紀科學與藝術發展的歷史中，我們可以看到觀念變革和技術創新是推動藝術發展進步的重要力量，數字媒體繪畫的出現是社會信息化浪潮中科學與藝術相結合的產物，它的出現代表了21世紀科學、技術與藝術相互融合、相互促進的發展趨勢。
結束語
當今世界，方便快捷的交通工具拉近了人與人之間的距離，快速優質的信息傳輸網絡使人類能夠享受世界多元文化的魅力。隨著人類開始步入地球村時代，我們應該從新的角度審視人類的生存空間和人類文明的發展方向。如果還在討論東方藝術與西方藝術、北方藝術與南方藝術、傳統藝術與現當代藝術、手繪作品與當代數字媒體作品，無疑是井底之蛙。因為我們應該尊重人類創造的文化的個性和差異。在西方，傳統架上繪畫雖然不是當今信息技術社會的美術主流，但面對當代藝術多流派、多風格的短暫喧囂和藝術被技術和商業化盲目改造的困惑，作為人類文化的重要組成部分，仍然有必要繼承和發展。